Dopo due ottimi lavori in studio, di cui l'ultimo in ordine di tempo è For Mange Melodia (2017), i norvegesi Knekklectric pubblicano un EP acustico con tre tracce registrate dal vivo come preambolo al terzo album di prossima pubblicazione. La genesi di Maskinelt Utbeina EP risale in realtà all'estate scorsa quando il gruppo decide di riunirsi nel salotto del chitarrista Edvard Brøther e improvvisare uno studio mobile di registrazione per provare nell'arco di una sola giornata alcune versioni acustiche dei brani a cui stanno lavorando.
Tre di questi sono andati a finire nell'EP il quale risalta bene le caratteristiche vagamente jazzate del prog rock delicato e bucolico dei Knekklectric. Altra particolarità della band originaria di Bergen è quella di cantare adottando il dialetto
usato nella cittadina di Ålesund (a qualche chilometro più a nord) che, unito all'indirizzo sonoro dato ai brani, rafforza un certo legame con atmosfere da folk nordico, senza escludere una tappa tra le parti di Canterbury.
A dieci anni dall'album The Darkened Room, che iniziò una trilogia conclusasi con Everlasting Instant nel 2015, gli IZZ pubblicano ora il suo successore e album n.7 della discografia del gruppo, se non si contano i due volumi antologici di Ampersand e il live al NEARfest. Concentrandosi sul titolo dell'album e su quello del relativo brano cardine 42, che è una suite dalla durata di 18 minuti, si può intuire una natura parzialmente concept di Don't Panic che tira in ballo Douglas Adams e la sua opera Guida Galattica per Autostoppisti. In questo caso 42 è un pretesto per il bassista/chitarrista e paroliere John Galgano per parlare anche di altre cose terrene (dato che 42 nei romanzi di Adams rappresenta filosoficamente la "Risposta alla domanda fondamentale sulla vita, l'universo e tutto quanto"), esternare la sua passione per il baseball e celebrare la maglia numero 42 Jackie Robinson che negli anni
quaranta fu il primo giocatore afroamericano ad essere incluso nella Major League Baseball.
Come mi è capitato di sottolineare anche in passato gli IZZ, insieme agli Echolyn, sono tra le migliori realtà del prog rock americano contemporaneo, quello classico per intenderci con tanto di synth e polifonie vocali, anche se di loro non se ne è mai accorto nessuno, restando una band altamente sottovalutata. I due brani posti in apertura e chiusura, la title-track e Age of Stars rispettivamente, sono una vetrina di quello di cui gli IZZ sono capaci nella breve e nella lunga distanza al fine di distaccarsi da ogni possibile paragone e creare il solito impasto personale di voci (senza dimenticare quelle femminili di Anmarie Byrnes e Laura Meade), deviazioni tematiche ben orchestrate e arrangiamenti stimolanti che sottolinenano l'interplay tra ogni strumento.
42 forse non avrà lo stesso respiro epico di Deafening Silence (altra suite contenuta su My River Flows), ma nei suoi movimenti tende ad essere più coeso, come un lungo brano senza cesure nette e qualche ammiccamento agli Yes, da sempre un punto di riferimento per i fratelli Galgano, non fa che arricchire l'impasto sonoro. Nella strumentale Moment of Inertia, gli IZZ fanno sfoggio della propria tecnica con un pezzo che ben pochi esponenti del prog sinfonico saprebbero mettere in musica con la stessa capacità di evitare le trappole dei cliché, nei suoi passaggi spigolosi, a tratti crimsoniani, ma sempre saldamente ricomposti nella melodia. In questo Don't Panic rinnova lo stimolo e l'ispirazione degli IZZ sancendo un passo artistico in avanti rispetto a Everlasting Instant.
I Narco Debut non sono una novità da queste parti, il loro secondo EP Garden Dreams era già entrato nei radar di altprogcore ai tempi della sua uscita nel 2016. Con Strange and Ever-Changing Depths il quartetto di Detroit arriva al debutto alla cui produzione ci ha pensato Kevin Dye dei Gates. Già questa è una sorta di garanzia in quanto se è palese che i Narco Debut abbiano qualche debito stilistico con band come Coheed and Cambria e Circa Survive, è anche da notare come si distinguano per calibrare sonorità più leggere e oniriche provenienti dal post rock e dallo shoegaze.
I groove chitarristici di This Feels Just Like Heaven e Omniscience Verses sono vicini per intensità alla band di Claudio Sanchez, ma i Narco Debut di loro sanno aggiungere delle efficaci svolte psichedeliche (nella prima delle due) che sfociano nel lisergico e che talvolta si sposano con atmosfere elettroacustiche, tipo su Wading Strange and Ever-Changing Depths, High Beam Composure o la bella introduzione Lck+10 che si collega direttamente alla suggestiva Wanderlush. Capace anche di tirate drammatiche come Azulita, in cui viene fuori la loro attrazione per il post rock, l'album offre altri punti di vista più solari come Yukon e i delicati paesaggi sonori immersi nei riverberi di Dandelion Kids. Soltanto per ribadire che le somiglianze con altre band sono solo dei punti di partenza dai quali iniziare, in quanto i Narco Debut, spaziando, hanno la possibilità di soddisfare il gusto anche dei meno avvezzi al post hardcore.
All'indomani di Ellipsis avevo messo una pietra sopra ai Biffy Clyro con il proposito di non interessarmi più a loro in quanto da anni avevano per me intrapreso un percorso artisticamente in declino, sempre meno avvincente e coinvolgente. E' stato l'entusiasmo di Mike Vennart per questo nuovo album a farmi tornare sui miei passi e dare ancora una possibilità al trio scozzese. La pubblicazione di Balance, Not Symmetry però credo non abbia colto di sorpresa soltanto me, o meglio, era noto che i Biffy Clyro stavano lavorando ad una colonna sonora di un film indipendente del quale il frontman Simon Neil è co-sceneggiatore insieme al regista Jamie Adams, ma la sua uscita è stata annunciata a sorpresa soltanto un giorno prima senza nessun preambolo durato mesi. Quindi avete capito bene, il nuovo progetto dei Biffy Clyro non è propriamente l'ottavo tassello della discografia (che comunque stanno al momento preparando), ma bensì la colonna sonora del film omonimo (descritto dagli autori come "una storia alla Giulietta e Romeo raccontata dalla prospettiva di Giulietta") che sarà presentato in anteprima a giugno all'Edinburgh International Film Festival, seguito a luglio dalla release dell'album in formato fisico.
Tornando pertanto al contenuto musicale, Balance, Not Symmetry non è, come ci si potrebbe aspettare, una sequenza di brani strumentali (a parte gli interludi Pink, Navy Blue e Yellow), ma un album di canzoni vero e proprio che raccoglie 17 tracce (per la durata di oltre un'ora) le quali rappresentano forse la miglior prova dei Biffy dai tempi di Infinity Land. Naturalmente Balance, Not Symmetry non si spinge così avanti con il post hardcore, i Biffy sono ancora quelli che hanno mietuto successi negli ultimi anni, ma come si capisce ascoltando la title-track questa volta osano un po' di più e lo fanno con un album eterogeneo dove ogni brano è diverso dall'altro, riportando a galla in parte lo spirito anticonvenzionale che gli apparteneva.
Se infatti già dalla seconda traccia All Singing and All Dancing si pensa di essere tornati nei binari dei classici Biffy che mostrano il loro lato più commerciale, a partire da Sunrise e Colour Wheel avviene il miracolo e riemergono reminiscenze sepolte fin dai tempi di Puzzles, piccoli twist e accorgimenti applicati alla solita formula, ma che si arricchiscono con ritmiche che tornano a battere tempi spezzati e chorus che finalmente non hanno più quel retrogusto da indie adolescenziale (la seconda parte di Colour Wheel è delziosa con le sue delicate polifonie vocali che si inseguono). Da qui ogni pezzo è una scoperta, dal soul di Plead al potente crescendo orchestrale di Touch che certifica uno dei migliori incisi del gruppo da diverso tempo. Ma anche i restanti Tunnels and Trees e The Naturals che strizzano l'occhio ad un pop rock mainstream sanno racchiudere piccole sorprese negli intermezzi e nei break, nella strumentazione utilizzata, nelle dissonanze che spuntano quasi per gioco.
Forse il fatto che Balance, Not Symmetry è considerato come un progetto collaterale ha persuaso i Biffy ad includervi materiale un po' più audace che per alcuni risulterà di seconda scelta nell'ottica di un'involuzione per il percorso della band - sarà un'impressione ma il trittico finale mi sembra un velato tributo ad altrettante figure storiche: Jasabiab (The Beatles), Following Master (Lou Reed), Adored (Pink Floyd) - , ma avercene di Biffy Clyro sempre così in forma!
Chi si ricorda dei Crash of Rhinos? Quella band inglese che nel 2013 con il secondo album Knots raccolse consensi incondizionati nell'ambiente emo math rock per sciogliersi immediatamente dopo? Ebbene, tre dei cinque membri originali, Jim Cork,
Ian Draper
e Oli Craven, nel 2016 hanno iniziato a lavorare ad un nuovo progetto musicale dal nome Holding Patterns e Endless è il frutto di tale rinnovato sodalizio. Forse un inevitabile confronto con la loro vecchia band sarà da mettere in conto ma, a parte il fatto che i tre hanno deciso di percorrere la strada da un'angolazione leggeremente diversa rispetto alla complessità di Knots, c'è subito da rilevare che Endless è un esordio di grande impatto.
Se il post hardcore e l'emo rimangono ancora saldamente tra i principali interessi degli Holding Patterns, la quota math rock cala leggermente in favore di una collezione di canzoni più dirette e legate in modo indissolubile all'estetica statunitense con un riferimento particolare ai Braid e a quella capacità del midwest emo di fondersi con il pop punk (At Speed, No Accident). Siamo di fronte quindi ad un album molto curato negli arrangiamenti i quali non si limitano ad una resa scarna ed essenziale, ma ad un vero e proprio sound corale che colpisce per intensità e sentimento, come This Shot Will Ring che risulta uno dei pezzi migliori del lotto per la sua dinamica versatile.
Gli Holding Patterns ci spiegano così che la visceralità non deve necessariamente provenire da aggressione fine a se stessa o essere trasmessa da un impianto strumentale ridotto all'osso che sputa power chords a random, ma che essa può venire anche costruita con pazienza certosina (nel caso di House Fire e Long Dead) o con tensione crescente e imprevedibile (si veda First Responder, Centered at Zero). Nel complesso Endless è un album sorprendentemente fresco e piacevole, ma soprattutto un nuovo capitolo imperdibile se siete fan anche solo di uno dei generi sopra menzionati.
Nella cerchia del post hardcore americano del decennio scorso gli Envy on the Coast erano considerati un culto, ma nel loro breve arco di carriera non fecero in tempo a diventare più conosciuti per il prematuro scioglimento nel 2010 con solo due album all'attivo. Come già sintetizzato in precedenza, i due quinti della band, ovvero il cantante Ryan Hunter e il chitarrista Brian Byrne, si sono rimessi insieme nel 2017 per un EP e una serie di concerti coadiuvati nella formazione da Gray Robertson (basso), Bill Rymer (batteria) e Matt Fazzi dei Rare Futures alle tastiere e alla chitarra.
Alive After All è una specie di celebrazione di ciò che sono stati e di quello che sono oggi gli Envy on the Coast. Registrato dal vivo il 21 novembre 2018 al Paramount di New York il concerto riporta l'intera esecuzione degli album Lowcountry (2010) e Lucy Gray (2007) in una definizione esecutiva e sonora che non fa perdere un briciolo dell'energia e della carica esplosiva originale dei due lavori, stilisticamente molto differenti tra loro: una collezione di memorabili riff rock blues il primo e un manifesto emocore il secondo. Avendo in mente questo tipo di repertorio è automaticamente logico ottenere uno dei migliori album live dell'anno.
L'EP Deeper Wells è stato pubblicato dai Thrice in occasione del Record Store Day di quest'anno (ovvero il 13 aprile) che, come prevede la consuetudine, ha avuto un'edizione limitata rigorosamente in vinile bianco e contenente quattro tracce poste su un unico lato. I brani in questione provengono dalle sessioni del loro ultimo album in studioe, a giudicare dalla qualità, non hanno nulla da invidiare alle prime scelte che alla fine sono state incluse su Palms. Se la title-track è un veloce e tagliente missile hardcore, i rimanenti tre A Better Bridge, In This Storm e Stumbling West ritrovano la potenza di scrittura della band con la quale da anni riesce a tratteggiare nello stesso ambito malinconia e aggressività, divenendo di diritto nuovi classici con cui confrontarsi.
